24 abr, 2014

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Lunes 16 de septiembre de 2013 15:02

Triunfa 12 Years a Slave en Toronto

El más reciente proyecto del director Británico, Steve McQueen, recibió el domingo pasado el “People’s Choice Award”, el mayor galardón que se otorga en el Festival Internacional de Cine de Toronto, celebrado del 5 al 15 de septiembre en Toronto, Ontario, Canada.

 

12 Years a Slave cuenta la historia verídica de Solomon Northup, un hombre negro y libre viviendo en New York antes de la Guerra Civil, cuya vida toma un giro inesperado cuando es secuestrado y vendido como esclavo. La película explora los 12 años de esclavitud de Northup, donde conoce a la maldad personificada en Edwin Epps, un malévolo propietario de esclavos encarnado por el actor Michael Fassbender.

 

No es la primera vez que una cinta de McQueen se presenta en el festival. Su drama histórico Hunger compitió en la edición del 2008 del festival, donde el director recibió el “Discovery Award” y un premio de $10,000 dólares. Su segundo largometraje, Shame, también fue proyectado en el Festival. Esta última no logró llevarse algún reconocimiento a pesar de haber sido muy bien recibida por los críticos.

 

Películas como Slumdog Millionaire, The King’s Speech y American Beauty se han alzado con  dicho premio y han prevalecido también durante la ceremonia de los premios Oscar. Otros títulos como Silver Linings Playbook el año pasado y Precious en el 2009 han recibido, al menos, la  nominación al Oscar tras haberse llevado a casa el “People’s Choice Award”.

 

Por otra parte, el filme británico Philomena y el thriller Prisoners fueron nombrados “casi ganadores” en la edición número 38 del prestigioso festival, dejando fuera filmes como Gravity del mexicano Alfonso Cuarón y las también anticipadas August: Osage County, Dallas Buyers Club, Labor Day y Can a Song Save Your Life?, títulos que recibieron nada menos que halagos tras sus respectivos estrenos en el festival.

 

La cinta de horror japonesa Don’t You Play in Hell de Shion Sono se llevó el otro premio de la audiencia, otorgado a un filme presentado durante el programa de “Midnight Madness”, donde se proyectan las películas más raras o excéntricas del festival. Películas como Cabin Fever en el 2002, Borat en el 2006 y la reciente You’re Next se presentaron por primera vez en el Midnight Madness y más tarde se convirtieron en películas de culto.


El documental egipcio The Square ganó el premio de Mejor Documental, mientras que When Jews Were Funny fue escogida como la Mejor Película Canadiense.

Publicado en Cinefilia
Viernes 11 de enero de 2013 10:06

Agridulce las nominaciones a los Óscar

Llegó el nuevo año y con él también arribaron las nominaciones y premiaciones de películas hechas en los pasados doce meses.

Los Golden Globes dijeron sus contendientes justo antes de finalizar el 2012, así como el Screen Actors Guild (SAG). Esta semana se entregaron los People Choice Awards y la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos también anunciaron sus nominados a sus famosos premios, mejor conocidos como los premios Óscar.

Durante esta temporada de premiaciones, las diversas nominaciones se convierten en el tema principal entre críticos, cinéfilos y aficionados del séptimo arte. Ante la selección oficial de merecedores de galardones, siempre aparecen dolientes que se quejan de que sus películas favoritas no hayan sido incluidas entre las laureadas, así como los que protestan por la presencia de filmes que no consideran meritorios.

Personalmente, soy de los que piensa que en el fondo una estatuilla dorada o un premio, no confirma que una película sea buena, así como el haber sido ignorada en las nominaciones no significa que sea mala.

Ya en años anteriores, filmes considerados hoy en día como clásicos, fueron dejados sin premiación alguna. Como señalé el pasado año, Akira Kurosawa, Stanley Kubrick, Alfred Hitchcock e Ingmar Bergman, considerados como cuatro de los cineastas más icónicos de todos los tiempos, jamás recibieron un premio de la Academia.

Y los nominados son:

Este año la Academia volvió a gastar la pesada broma de nominar sólo 9 películas al máximo galardón, dejando vacío el décimo puesto. De algún modo, con esta acción dejan entrever a todos aquellos que se quedaron con las ganas de ver su favorita en la lista “podríamos haber incluido aquella que te gusta, pero no lo hicimos”.

Entre las nueve nominadas, destaco las sobrevaloradas y sobre estimadas Lincoln y Les Miserables, la magnífica Zero Dark Thirty, la fantástica y emotiva Beasts of the Southern Wild (ganadora de mejor fotografía en el Festival de Cannes), la excelente Django Unchained del genial Quentin Tarantino; y la cinta extranjera Amour, del laureado cineasta alemán Michael Haneke.

Tengo que decir que aún no he visto The Silver Linings Playbook de David O. Russel (quien dirigió la gran película The Fighter en 2010) y The Life of Pi del gran Ang Lee (Brokeback Mountain, Crouching Tiger, Hidden Dragon), pero ambas se me hacen bastante interesantes. También está nominada la película Argo, dirigida por Ben Affleck, la cual encuentro muy bien hecha, pero personalmente, un poco sobrevalorada también.

En pocas palabras, la lista de las nueve nominadas a Mejor Película, no es tan terrible y desacertada como la del año pasado, por dar un ejemplo. No obstante, difiero de la decisión de incluir a Lincoln y a Les Miserables, la primera porque me parece que no es más que un ejercicio de retórica sumamente monótono, muy bien actuado; la segunda porque, a pesar de que musicalmente es preciosa y también cuenta con grandes actuaciones, como filme es bastante mediocre. Aun así, creo que van a ser las dos grandes ganadoras de la noche.

Entre los actores y las actrices hay buenas nominaciones también. Christoph Waltz por Django Unchained, Phillip Seymour Hoffman y Joaquín Phoenix, ambos por The Master, Tommy Lee Jones por su papel en Lincoln (el cual increíblemente me pareció incluso más interesante que el de Daniel Day Lewis, quien también está nominado y seguramente se llevará la estatuilla para su casa).

Anne Hathaway y Hugh Jackman, ambos por sus emotivos papeles en Les Miserables, la talentosísima Jessica Chastain por su gran trabajo en Zero Dark Thirty y la mujer con más edad jamás nominada, Emmanuelle Riva (de 85 años) por su papel en Amour, junto a la más joven antes nominada, Quvenzhané Wallis (de 9 años), actriz de Beasts of the Southern Wild.

Entre los filmes extranjeros, la favorita Amour de Haneke, compite contra la chilena No (filme sobre el plebiscito con el que se terminó la dictadura de Augusto Pinochet en el país sudamericano), la danesa A Royal Affair, la noruega Kon-Tiki y la canadiense War Witch, también conocida como Rebelle.

Algunas de las nominaciones que me agradaron bastante fueron: la canción de la cantante británica Adele para el film Skyfall, como Mejor Canción Original y asimismo, la impresionante cinematografía en la más reciente entrega del agente 007. Les Miserables nominada a Mejor Mezcla de Sonido (tomando en cuenta que las canciones se grabaron directamente en el set de filmación), Paranorman para Mejor Película Animada y Moonrise Kingdom como Mejor Guión Original.

Continúa la lista…

Entre las grandes ignoradas de este año, considero que podríamos nombrar el film Killer Joe (que aunque oficialmente fue hecha en 2011, se estrenó en 2012), el cual pudo haber sido nominado para mejor película, mejor director e incluso merecía un reconocimiento para Mathew McConaughey (en posiblemente el mejor papel que ha interpretado en su vida).

En el renglón de cinematografía, el film Cirque du Soleil: Worlds Away 3D pudo haber sido incluida, debido a lo impresionante de sus tomas y la iluminación. Cabin in the Woods pudo haber sido quizás reconocida como mejor guión original, Mientras que, Moonrise Kingdom pudo quizás recibir más nominaciones además de la de guión. Asimismo, la actuación de Ezra Miller en The Perks of being a Wallflower, igualmente fue digna de reconocimiento. Otra actuación pasada por alto, fue la de John Hawkes en The Sessions.

En la misma línea de pensamiento, para muchos, ha sido un verdadero crimen que Javier Bardem no haya sido nominado por la interpretación de Silva, el villano de Skyfall.

El ignorado décimo puesto en Mejor Película también ha sido un tema de discusión, ya que pudo haber sido aprovechado para Skyfall e incluso, para muchos, reservado para The Dark Knight Rises o The Avengers (aunque ya sabemos que este tipo de películas jamás ha sido nominado en este renglón).

Ahora bien, lo que efectivamente es uno de los mayores focos de polémica ha sido el premio al Director. En primer lugar, el chiste de nominar nueve filmes a mejor película, pero sólo a cinco de sus directores, es como el padre que en navidad sólo le regala a cinco de sus nueve hijos. No es de esperar que los que no recibieron obsequio sientan una cierta predilección por los agasajados.

En la categoría de Mejor Director encontramos a David O. Russell (Silver Linings Playbook), Ang Lee, Steven Spielberg (Lincoln), Michael Haneke y Benh Zeitlin (Beasts of the Southern Wild). Esto ha dejado fuera de la competencia a Kathryn Bigelow (quien luego del Oscar que le mereció dirigir The Hurt Locker, ha hecho un trabajo maravilloso en Dark Zero Thirty), Ben Affleck (quien según muchos merece una nominación por Argo, cosa que personalmente no comparto del todo) y Quentin Tarantino (por Django Unchained).

En todo caso, como ya he dicho, en el fondo, no es el premio lo que decide cual película es buena y cual es recordada con el pasar del tiempo. Ya veremos quienes resultan ganadores y quienes se irán con las manos vacías a casa.

El autor es crítico de cine. 

 

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Jueves 01 de noviembre de 2012 05:00

Cloud Atlas: Profunda, maravillosa e increíble 

Normalmente empiezo mis reseñas cinematográficas dando rodeos, sin ir directamente al grano. Esta vez no lo voy a hacer. Cloud Atlas es sencillamente maravillosa.

Sí, decidí comenzar diciendo esto por dos razones. Primero, porque no puedo disimular lo mucho que me ha gustado y lo grandiosa que me parece. En segundo lugar, porque es una película con tanta tela para cortar, que perder tiempo y espacio en ponerse elocuente, sería alargar más este texto sin necesidad. Este film da suficiente material como para escribir una tesis.



Comencemos por lo más fácil. ¿Qué es Cloud Atlas? El trailer no da demasiadas pistas para responder esta pregunta (personalmente pienso que más es lo que confunde que lo que aclara, vendiendo quizás algo que no es).

Este film nos narra seis historias paralelas en distintas épocas. Son tan distantes y diferentes como un viaje en barco por el pacífico, desde Nueva Zelanda a Estados Unidos por 1850, o una guerra de clanes tribales en un distante futuro post apocalíptico. Las seis historias tienen en común temas como el amor, la avaricia, la opresión, la esclavitud y la libertad. También tienen en común que están protagonizadas por los mismos actores, haciendo personajes completamente diferentes y de etnias distintas.


Lo más interesante es que cada historia está conectada con la anterior de manera física. Es decir, uno de los personajes de una, está de algún modo leyendo (o viendo) el cuento de la que cronológicamente vino antes de la suya. Asimismo, todas están entrelazadas a un nivel más metafísico y espiritual.



Basada en la novela homónima de David Mitchell y producida, escrita y dirigida en conjunto por los hermanos Andy y Lana Wachowski (los creadores de Matrix) y Tom Tykwer (director y escritor de Run Lola Run y la adaptación de El Perfume), Cloud Atlas resulta una película sumamente profunda, compleja y bastante ambiciosa.

Técnicamente es asombrosa. La dirección es muy acertada y la fotografía es hermosa. Igualmente, los efectos especiales y el maquillaje (con el que se le cambió la apariencia a cada actor en cada época) funcionan a la perfección. La edición va acorde con la historia y la trama y la musicalización del film es impresionante. Los tres compositores estipularon un estilo para cada una de las historias, sin que se pierda la coherencia en la banda sonora.

Las actuaciones son igualmente dignas de halagos.

El elenco cuenta con Tom Hanks, Halle Berry, Jim Broadbent, Jim Sturgess, Doona Bae, Ben Wishaw, Hugh Grant, Susan Sarandon, James D'Arcy, Keith David, Xun Zhou, David Gyasi y el magnífico Hugo Weaving quien interpreta a los villanos, o metafóricamente hablando, a la maldad. Cada uno de ellos tiene seis personajes completamente diferentes en etnia, personalidad y en algunos casos, género. Incluso, los personajes secundarios de cada época, son muchas veces interpretados por los mismos actores.

Este film puede ser analizado desde tantos puntos de vista que, como dije en el primer párrafo, da suficiente material para una tesis (de hecho, creo que para varias tesis).

Sus discursos pueden ser vistos desde la temática de género, historia, sociología, psicología, lucha de clases, racismo, bio-ética, religión y metafísica.

A vuelo de pájaro, tomando en cuenta el hecho de que los personajes de cada historia están interpretados por los mismos actores, podemos discernir una noción de reencarnación y ciclos karmáticos. Muy parecido al estilo de películas como The Fountain (Darren Aronofsky) o The Tree of Life (Terrence Malick), Cloud Atlas pareciera proponer que todos los seres humanos estamos relacionados, sin importar el espacio y el tiempo en el que nos encontremos.

Asimismo, podemos ver como cada alma (representada por cada actor) va evolucionando y aprendiendo, o quedándose estancada y cometiendo los mismos errores a lo largo de cada vida (cada una de las seis historias).



Desde otro punto de vista, si no tomamos en cuenta el aspecto de la reencarnación, podemos tomar cada ciclo, no como una nueva vida para cada alma, sino una era distinta de la historia humana, en la que repetimos los mismos errores y vicios, al mismo tiempo que somos impulsados por las mismas metas, sueños y pasiones. En cada era existe una forma de poder, mediante la cual un grupo étnico o social, logra mantener oprimido a otro. Esclavitud, racismo, discriminación sexual, genética, fuerza militar o superioridad en combate.

De igual manera, los deseos de libertad, de encontrar el amor y la verdad, el deseo de superación y de trascendencia, hace que los individuos oprimidos se alcen contra aquello que los intenta subyugar.

Es muchísimo lo que se puede analizar, conversar, concluir y especular sobre Cloud Atlas.

Lamentablemente, sólo la he visto una sola vez y esto no es suficiente para aprehender todos los detalles y elementos presentes en una película tan densa y compleja como ésta. Este es un film es para ser visto por lo menos dos veces, con calma, tratando de armar mentalmente la línea temporal de cada una de las seis historias, para entonces trazar rayas que pasen por los puntos en los que se conectan paralelamente dichas cronologías y entonces, una vez con el mapa en mano, sentarnos a sacar conclusiones.

En todo caso, y sin duda, a pesar de que algunos críticos la estén destajando, opino que este film es maravilloso y digno de ver, por lo menos, un par de veces.

El autor es periodista y crítico de cine. Para ver más críticas visita La Pantalla Grande 
 

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Lunes 29 de octubre de 2012 09:35

Frankenweenie: ¿el regreso de Tim Burton?  

De un tiempo para acá, Tim Burton me ha tenido profunda y realmente decepcionado. Por casi diez años, la mente genial tras Beetlejuice y Edward Scissorhands venía deteriorando su carrera en una caída libre monótona y carente de emociones ni innovaciones de ningún tipo. Pero tras el estreno de Frankenweenie, existe la remota posibilidad de que Burton nos vuelva a sorprender con una buena película en un futuro cercano.

Frankenweenie es una reeinvención de la historia de Frankenstein de Mary Shelley, hecha en animación en “stop motion” y basada, además de levemente en el libro de Shelley, en dos cortometrajes animados que Burton hizo en 1982 y 1984, llamados Vincent Frankenweenie igualmente. Narra la historia de este pequeño niño genio llamado Victor Frankenstein, quien decide revivir, a través de la ciencia, a su adorado perro muerto. Esto por supuesto desencadena una serie de situaciones muy divertidas y alocadas en el pueblo donde vive.

La animación del film es sencillamente magnífica. Los detalles de la dirección de arte, así como la iluminación y la fotografía hacen que visualmente, Frankenweenie sea sorprendente. De igual modo, la historia, aunque es verdaderamente simple, se mantiene fresca, divertida y original. No tiene mayores pretensiones que ser una entretenida historia para niños, repleta de guiños a la literatura gótica y el cine de horror de la pantalla de plata.

Las actuaciones del elenco, quien le da vida a los personajes con su voz, también son geniales. La película es brillante en cuanto a la realización. Por si fuese poco, a pesar de que mantiene un estilo de film en blanco y negro de horror de la década de los 1950, la película recupera el ambiente, el humor y los personajes de Burton de los 1980. A veces se asemeja a Beetlejuice y otras, a Edward Scissorhands. De hecho, vuelven a estar bajo la dirección de Burton, Winona Ryder y Catherine O'Hara (ambas trabajaron en Beetlejuice) entre el elenco. El resto de los actores, quienes también hacen un trabajo excepcional, son rostros nuevos o relativamente ajenos en la cinematografía de Burton, como el divertido Martin Short, quien solamente había trabajado en Mars Attack, o Martin Landau quien participó en Ed Wood.

El tema principal de la historia gira en torno a la muerte y a aceptarla. El entender que nada es eterno y que morir, es parte normal de la vida. El pequeño Victor se niega a dejar ir a su querido amigo canino, por lo que usa la ciencia para mantenerlo con vida a como de lugar. Una crítica directa a la búsqueda de prolongar nuestras vidas humanas por medio de la tecnología y los avances científicos. Ahora bien, opino que hay un pequeño detalle al final de la película (que no puedo revelar), que estropea este mensaje por completo.

Sin embargo, entre líneas y a una capa un poco más profunda que la de este primer mensaje sobre la muerte, Burton logró reinventar la historia de Frankenstein, a tal punto que recompone el mensaje de Shelley en su obra original, añadiendo una cláusula. En Frankenstein o el Prometeo Moderno (el libro original), Mary Shelley nos habla de los horrores que pueden ser alcanzados por la ciencia, sobre todo si los científicos no se hacen responsables de sus creaciones. En Frankenweenie, Tim Burton añade que la ciencia no es mala per se, sino que puede ser buena o mala, según su uso. Así como la tecnología y los avances científicos pueden acabar con nosotros, también son capaces de salvarnos.

Ahora bien, ¿por qué creo que este film podría significar una señal de que Tim Burton puede volver a hacer buen cine? La respuesta es simple. Desde 1989, luego del estreno de su grandiosa película Beetlejuice, Burton se ha dedicado a hacer toda clase de adaptaciones a materiales ya existentes. Primero fue Batman y Batman Returns (entre ambas hizo la legendaria Edward Scissorhands, que no fue ninguna adaptación). Estas dos adaptaciones fueron filmes muy interesantes y bien hechos (aun cuando comparadas con las Batman de Christopher Nolan, parezcan un poco infantiles y tontas).

Luego adaptó la biografía de Ed Wood, logrando una película genial. Mars Attack es una película bastante extraña, pero no deja de ser original e ingeniosa. Luego, hace su versión de la leyenda del jinete sin cabeza: Sleepy Hollow que, si bien no es terrible, es un poco débil de argumento y narrativa; seguida de la nefasta y espantosa adaptación de Planet of the Apes.

Es luego de este film, en 2003, que estrena Big Fish, aunque también es una adaptación de una novela, es la última película genuinamente interesante, original y creativa de Tim Burton. No solo con Big Fish se había atrevido a experimentar con nuevos elementos, narrativas, personajes e incluso actores, sino que había logrado reinventar su estilo. Tristemente, luego de esto, volvió al estilo monótono y repetitivo que lo caracteriza con Charlie and the Chocolate Factory. Tras esta película, cada uno de sus estrenos iría perdiendo sentimiento para volverse completamente estéticos y vacíos.

Claro, Corpse Bride es una película animada muy hermosa y sentimental, por lo que puedo excluirla del declive artístico de Burton (y tampoco es una adaptación). Aun así, no consiguió el éxito merecido al haber sido constantemente comparada con The Nightmare Before Christmas (que no incluyo en esta lista pues ésta fue solo escrita y producida por Burton, no fue dirigida por él).

La filmografía concluye con su puesta en escena del musical Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (que aunque es un film de culto adorado por los más acérrimos fanáticos del director, resulta un terrible largometraje, con una narrativa totalmente intermitente, aburrida y sobre todo, sin emoción real); Alice in Wonderland (su exagerada y plástica segunda parte de los famosos libros de Lewis Carol) y la esquizofrénica adaptación de la serie de TV Dark Shadows, que ha sido la peor película jamás antes hecha por Burton.

Entonces, repentinamente nos sorprende con Frankenweenie que no solo está bien hecha, sino que es comedida y encantadora. Si bien es una versión de Frankenstein, realmente es una adaptación de los cortometrajes que él mismo hizo a principio de la década de los ochenta. Es casi una idea original y resultó muy buena. Ha demostrado que sigue siendo un director capaz de llevar un concepto a buen desarrollo.

Si Burton decide hacer una película original en su siguiente proyecto, podría ir a verla con muchas expectativas. Se habla de que quiere hacer la segunda parte de Beetlejuice, cosa que, si es una continuación de algo ya existente y es un material hecho por él, podría resultar interesante. Si, por el contrario, vuelve a anunciar otra adaptación más, entonces iré con las mismas expectativas que fui a ver Frankenweenie. De ser así, ojalá me vuelva a sorprender.

El autor es periodistas y crítico de cine. 
 

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Viernes 19 de octubre de 2012 05:00

Argo o un retrato a medias de la realidad

Después de Gone Baby Gone (2007), ya no es novedoso decir que Ben Affleck es un buen director. En ese primer trabajo logró contarnos una historia sumamente entretenida y hasta un poco profunda; especialmente cuando consideramos las implicaciones de la última escena.

Admito que mi opinión pueda estar indebidamente influenciada por el momento histórico de su estreno, innegablemente condimentado por un ambiente de mediocridad, casi sin precedentes, del cine comercial estadounidense. No obstante, lo que sí puedo argumentar sin problemas es que el filme demuestra un dominio amplio del lenguaje cinematográfico, que, entre otras cosas, sabiamente mantiene al director, ya para ese tiempo una verdadera superestrella de Hollywood, completamente fuera de la pantalla.

Su rol tras bastidores permite que su hermano, Casey Affleck, asuma el papel protagónico. De hecho, su trabajo aquí y en The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford demuestra que es el mejor actor de los dos.

Ahora, con todo y las loas que puedan surgir de Gone Baby Gone, las subsiguientes películas de Ben Affleck como director, The Town (2010) y Argo (que estrenó ayer en Puerto Rico), me hacen pensar que sobrevaloramos sus capacidades cinemáticas. Si bien son entretenidas, cualidad que nunca es prudente menospreciar, tampoco alcanzan la promesa de su debut. No creo que sea una exageración decir que su desempeño detrás de las cámaras ha ido en decrecimiento; nunca objetivamente mediocre pero tampoco, en ningún aspecto, esencial.

En el caso de Argo, la tónica de cualquier apreciación crítica se torna complicada y es que la calidad, y consecuente eficacia, de los diferentes elementos que componen la experiencia, tanto durante como después de la proyección, varía demasiado.

La trama gira alrededor de unas movidas políticas, dentro y fuera de Irán, que tuvieron gran resonancia mundial. Durante la llamada revolución islámica del 1979, un grupo de manifestantes iraníes tomó control de la embajada estadounidense, evento que resultó en la captura de más de 50 rehenes. Aun así, seis personas lograron escapar, refugiándose a escondidas en la casa del cónsul canadiense. Éstos son los que tienen mayor posibilidad de salir del país, por lo que un agente de la CIA, Tony Méndez (interpretado por el propio Affleck), diseña un plan para sacarlos. La idea es proveerles identificaciones falsas, con las cuales fingirían ser parte de la producción de una película de ciencia ficción a ser filmada en Irán.

Si bien la premisa resulta ser prometedora, la ejecución carece de gravedad. Es muy general sobre el contexto histórico, con un tono muy simplista ante de la situación iraní, que no abunda mucho sobre las razones y objetivos de nadie; ni de los secuestradores, ni de los rehenes, ni de los escapados.

Lo único que se menciona, muy someramente de por cierto, es que Estados Unidos le dio asilo al exiliado Shah, lo que le ganó muchos enemigos. Después de eso, la película no le encuentra espacio a desarrollar a ninguno de los iraníes que aparecen; son solo figuras a ser derrotadas. Algunos pensarán que esto no es problema, que la historia es más sobre los estadounidenses en Irán y no los iraníes en sí.

Sin embargo, aun si aceptamos que el verdadero fin de la película es, única y exclusivamente, ofrecernos un thriller, que nos mantuviera en constante tensión, pues necesitamos comprender los objetivos del enemigo. Pero el guión pasa más trabajo en sumir las complicaciones narrativas, sobre todo durante la resolución, en casualidades inverosímiles. Aun sabiendo que está “basada en hechos reales”, gran parte del filme se siente falso. El buen embuste siempre es bienvenido siempre y cuando se sienta real en el mundo creado por la narrativa. Cuando es una película histórica tiene que ser tratado con mayor cautela, pues, en esta era pos-google el público se verá tentado a conducir su propia investigación; que en mi caso confirmó la gran mayoría de mis sospechas.

Pero, no puedo descartar la película del todo. Más allá de cualquier reserva que puede tener sobre la función del filme, como thriller y como drama histórico, puedo encontrarle cierto valor. Si obviamos el contenido y nos concentramos en la estética, podemos reconocer una visión bastante práctica y comedida. Argo nos recuerda que Affleck sabe como construir una narrativa capaz de mantener al público sentado durante la duración. El problema es que, con la excepción de su debut, no ha puesto esas capacidades al servicio de un guión meritorio. 

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Jueves 18 de octubre de 2012 05:00

Sorpresiva Metanarrativa en Seven Psychopaths

Hay ocasiones en las que vemos una película sin saber nada de ella, solo que cuenta con ciertos actores destacados o un nombre interesante.

Así me ocurrió cuando fui a ver el film Seven Psychopaths, sin haber visto el trailer, ni saber de qué trataba. Confié, por demás, en que una película con ese nombre y estelarizada por Colin Farrel, Sam Rockwell, Woody Harrelson, Christopher Walken y Tom Waits no podía ser tan mala. Afortunadamente, no solo tenía razón, sino que el film es absolutamente genial.

Seven Psychopaths narra la historia de Marty (Farrel), quien es un guionista irlandés alcohólico tratando de escribir una película llamada Seven Psychopaths. Es entonces cuando su mejor amigo Billy (Rockwell), decide ayudarlo a conseguir los más originales asesinos y dementes para que tenga inspiración para su historia. Todo esto al tiempo en el que un mafioso psicópata (Harrelson), intenta recuperar a su perro, que fue secuestrado por Billy.

Con esta premisa, es más que obvio que esta enrevesada comedia está llena de situaciones enredadas y llenas de violencia. Aún así, la película está llevada con tanto cuidado que nunca parece en extremo, aún cuando es bastante sangrienta.

Técnicamente hablando, el filme está muy bien realizado. Por ejemplo, la dirección de Martin McDonagh, quien también escribió el guión, es bastante acertada. A pesar de que hay momentos en los que pareciera perderse la trama, al final todo resulta caer perfectamente. Las actuaciones son geniales y los personajes muy divertidos e interesantes. La fotografía cumple su función y la banda sonora es excelente.

Pero lo que en realidad hace a Seven Psychopaths una película brillante y posiblemente la convierta en un film de culto, es la metanarrativa tan postmoderna que posee. Durante toda la trama, van inventando el guión que Marty, el protagonista, está escribiendo y el mismo, coincide con el film de Martin McDonagh (quien comparte el nombre del protagonista y también es un guionista irlandés). En pocas palabras, se comienzan a difuminar las líneas entre realidad y ficción, así como, a la vez, los personajes opinan sobre cómo deberían terminar sus historias.

Es este hecho lo que, a mi opinión, convierte a Seven Psychopaths uno de los filmes más interesantes y originales del año. Un guión tan ingenioso e inteligentes como el de Cabin in the Woods por ejemplo.

Claro, personalmente soy fanático de la postmodernidad en el séptimo arte. Aún así, si usted no es muy afín con este estilo, la historia y la comedia en la película, le parecerán igualmente entretenidas.

El autor es periodista y crítico de cine

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Miércoles 17 de octubre de 2012 05:00

Reconocido Dustin Hoffman como director

El actor estadounidense, Dustin Lee Hoffman, será reconocido por su rol de director en la Décimosexta Gala Anual de los Hollywood Film Awards el próximo 22 de octubre. Hoffman recibirá el "Hollywood Breaktrough Director Award" por su debút como director para el filme 'Quartet'.

"Es un gran honor reconocer a Dustin Hoffman [...]. Su exquisito trabajo y sus destrezas de dirección son notables", expresó Carlos de Abreu, fundador y director ejecutivo de los premios.

'Quartet' se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto 2012 y está basada en la obra de Ronald Harwood.

La pieza fílmica trata sobre la vida de cuatro cantantes de ópera retirados que intentan celebrar un concierto para salvar su hogar. La película cuenta con la participación de Dame Maggie Smith, Sir Tom Courtenay, Pauline Collins, Billy Connolly and Sir Michael Gambon.

"Dustin es un brillante director porque es también un actor brillante, él dirige como un actor", manifestó Connolly sobre su compañero de trabajo. Hoffman tiene más de cinco décadas frente al lente de las cámaras y es uno de los actores más elogiados y reconocidos del mundo. Éste hostenta siete nominaciones y dos premios Oscar, cinco premios Golden Globles, un premio Emmy, entre otros.

Algunas de las películas en su extenso resumé actoral son: "The Graduate" (1967), "All the President's Men" (1976), "Kramer vs. Kramer" (1979), "Meet the Fockers" (2004) y "Last Chance Harvey" (2008).

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La película anti islamita ¨La Inocencia de los Musulmanes¨, continúa levantado polémica.

Incluso la decisión del Presidente del Parlamento Europeo de condenar el film ha sido rechazada porque los que desaprueban su actuación ya que la interpretan como una sumisión al extremismo. 

“Condeno firmemente no sólo el contenido sino también la distribución de esta película que hiere los sentimientos de mucha gente en todo el mundo”, fue el comentario del Presidente del Parlamento Europeo, Martin Schulz, en un comunicado de prensa sobre el film que ha originado la indignación de todo el mundo musulmán.

El europarlamentario holandés Hans van Baalen del VVD considera que no tiene importancia. “Schulz ha hecho uso de su derecho a la libertad de expresión.¨, comentó en la emisora holandesa Radio 1. “Su condena le ha puesto en una situación difícil.

Tendría que haber dicho que personalmente a él le parecía una mala película, pero que su realización y distribución deben ser posibles”.

Quien sí lo ha hecho bien, según van Baalen, es el marroquí holandés Ahmed Abu Taleb, alcalde de Rotterdam. “Él habló solo a favor de la libertad de expresión y aconsejó a los musulmanes que no le dieran importancia”. Van Baalen subrayó el hecho de que Abu Taleb también es musulmán.

El político anti islamita Geert Wilders obviamente discrepa de la declaración de Schulz. Ha señalado en Twiter que “es un cobarde que se ha cargado la libertad de expresión”.

Al mismo tiempo, Wilders ha sido objeto de discusión al otro lado del mundo. En Australia, el grupo anti islamita Q-Society, se queja de que el gobierno australiano está intentando impedir la visita de Wilders.
Éste venía a darle unas conferencias al grupo, pero mientras que algunos de sus colaboradores obtuvieron un visado inmediatamente, el político anti islamita lleva esperando semanas a que se lo den.

“No queremos ver a Wilders en nuestro país”, dijo un parlamentario australiano. “Este país tiene una buena experiencia con el multiculturalismo. Es algo de lo que todos deberíamos estar orgullosos. Y aquí se nos presenta un hombre que es la antítesis del multiculturalismo”. El ministro responsable ha dejado la cuestión bien clara, pero lo más probable es que el gobierno australiano tema el malestar que Wilders podría ocasionar unido al clima de tensión internacional que existe en torno a la película anti islamita. La semana pasada hubo varias manifestaciones contra la película en Sidney que desembocaron en disturbios.

En los Estados Unidos el presunto autor de la película, Nakoula Bassily Nakoula, ha sido demandado ante los tribunales. Una de las actrices, Cindly Lee García, ha declarado en la página web americana TMZ, que Nakoula la embaucó y que ella no sabía que estaba participando en un film anti islamita. Según ella, Nakoula le había dicho que el film era simplemente una aventura en el desierto árabe. Dice que los diálogos se introdujeron después. Por eso parece que es ella la que insulta al profeta Mahoma. García ha tenido que esconderse porque desde que se estrenó la película la han amenazado de muerte varias veces.

También en Francia la cinta ha provocado un escándalo. La revista satírica Charlie Hebdo cree que el malestar que ha generado la película es una buena excusa para (en solidaridad con la libertad de expresión) publicar algunas tiras cómicas en las que se burlan del profeta Mahoma.

“Las viñetas conmocionarán a quienes quieran ser conmocionados”, comentó el editor de la revista. Dentro y fuera de Francia, los musulmanes han pedido que el gobierno francés haga algo al respecto, pero el Ministro de Asuntos Exteriores, Manuel Valls, ha señalado que la ley francesa garantiza la libertad de expresión. El gobierno francés ha tomado la precaución de cerrar todas las embajadas, consulados y escuelas francesas en los países islámicos.

Fuente Radio Nederlands Latinoamérica
 

Publicado en Opinión y Debate
Jueves 20 de septiembre de 2012 05:00

Cine como espacio acústico

La belleza del sonido en el cine es como cualquier otra belleza: requiere de un “ojo” crítico para apreciarla. Abramos los ojos y los oídos a uno de los aspectos más inolvidables del cine y apreciemos su valor en la historia de las imágenes en movimiento.

El cine nunca fue silente

En sus inicios, el cine no tenía sonido, pero el cine nunca fue “silente”. Desde que el ser humano logró cosechar las tecnologías aptas para presentar imágenes en movimiento, ya para inicios del siglo XX, las secuencias visuales estuvieron acompañadas por piezas musicales que se tocaban en vivo durante las exhibiciones: desde un piano hasta un cuarteto sinfónico, el cine hizo su magia tanto para los ojos como para los oídos. Décadas después se construyeron teatros y palacios cinematográficos con materiales acústicos que destacaron el sonido de las orquestas sinfónicas que tocaban allí.

 Mientras tanto, en Japón, los gentiles benshi (narradores) recreaban los diálogos y brindaban explicaciones emotivas para los filmes silentes extranjeros que se exhibían en vivo. El destacado director japonés, Akira Kurosawa, llegó a hablar sobre la importancia de estos narradores, que sinellos, la experiencia cinematográfica hubiese sido interrumpida por la falta de comprensión del idioma. Cada benshi brindaba una experiencia propia del filme en sí, algo parecido a lo que ocurre con las traducciones al español de películas en inglés.

La historia del cine mundial siempre le ha atribuido el inicio de un cine sonoro al filme The Jazz Singer (Alan Crosland, 1927), un híbrido entre cine silente y musical que sentó un precedente en cuanto a la sincronización del sonido y las imágenes en movimiento.

A pesar de las horrorosas dificultades que la industria cinematográfica tuvo en sus inicios para con los tecnicismos de grabar sonido, ya no había marcha atrás. Para muchos actores y actrices destacados del cine silente ello significó el principio del fin, triste realidad que podemos ver trabajada en Singin’ in the Rain (Stanley Donen y Gene Kelly, 1952) y en The Artist (Michel Hazanavicius, 2011).

Funciones semió- ticas del sonido/ Los significados del sonido

Luego de una tradición de cine silente, el sonido presentó un nuevo paradigma en torno a lo que es la experiencia de ver un filme: el sonido pasó a formar parte de los ingredientes narrativos de un medio que se valió de la imagen y la música.

El sonido tiene unas capacidades y rasgos que van de la mano con el uso de las imágenes en el cine. Primero, encarna o personifica la imagen: mirar siempre es unidireccional pero escuchar comprende una experiencia tridimensional. Segundo, el sonido amplifica el campo de significación de una imagen: la ancla hacia una función metafórica o poética. Tercero, el sonido ubica al espectador dentro de un espacio, dentro de unos parámetros perceptivos que se pueden acercar tanto hacia la realidad de la imagen como hacia la forma en que el director presenta esa imagen. Y mientras el sonido ofrece un sentido de espacio (metafórico), es en el espacio (real) del auditorio donde el juego de imagen y significado comienza.

Mientras el sonido puede cargar con un significado, puede habilitar la comunicación y crear referencia, puede también destruir o distorsionar el significado mediante el ruido y la interferencia. En este sentido, el sonido es más maleable que la imagen: cambia, muta, y altera su entorno gráfico.

En el cine el sonido se utiliza para sincronizarlo con la imagen y relacionar uno con el otro (se complementan o contrastan), advertir la presencia de algo en o fuera de la toma, y crear un sentido de ironía o evocar otro estado afectivo. Pero el cine ha llevado las funciones del sonido hacia niveles jamás imaginados.

Por ejemplo, en el filme silente Metropolis (Fritz Lang, 1926) se le da sonido a una escena donde se proyectan unas luces potentes al cielo: el sonido se presenta materializado. En los trabajos de Alfred Hitchcock vemos el sonido utilizado para expresar la paranoia de los personajes (Blackmail, 1929), y el sonido enmudecido (que según él, suena dos veces más alto) a propósito de The Birds (1963), donde esperaríamos en una escena el grito de una mujer pero a cambio la mujer se encuentra tan aterrada que apenas emite sonido.

Fenómenos únicos del sonido

Dentro de las exploraciones artísticas y psicológicas del sonido, se han reconocido ciertos fenómenos que han amplificado las experiencias cinematográficas. La sinestesia, por ejemplo, es un fenómeno sonoro muy poético e interesante: es cuando se le ofrece una experiencia sensorial al sonido más allá de la audición (Ej. El color del sonido o sonido como color; sonido como gusto y

gusto como sonido). Ejemplos de sinestesia los vemos en los filmes de artes marciales, donde los movimientos del cuerpo suenan, y en los filmes de terror, donde hay texturas que no se ven pero se escuchan como algo que se viera horrible, y hay presencias que se acercan junto con la musicalización in crescendo.

Otro fenómeno es el acousmêtre, que más que un fenómeno es un carácter
acústico cuya relación con la pantalla envuelve un especial tipo de ambigüedad y oscilación; no se encuentra ni dentro ni fuera de la imagen. Se relaciona con el ventriloquismo (el origen de la voz no nace del rostro ni de la boca, sino de otra parte del cuerpo, u otro cuerpo). Ejemplos de acousmêtre lo podemos ver en la voz del Mago en Wizard of Oz (Victor Fleming, 1939), la voz de la madre en Psycho (Alfred Hitchcock, 1960), Hal, la computadora en 2001: A Space Odyssey (Stanley Kubrick, 1968), y la voz de la niña poseída en The Exorcist (William Friedkin, 1973).

 Los sonidos en el cine, a pesar de no contar con nuestra entera atención ni análisis, forman parte vital de la experiencia cinematográfica y retan los límites de la memoria (como es el sonido de la respiración de Darth Vader en Star Wars). Cómo olvidar esa escena en Mulholland Dr. (David Lynch, 2001) en el club nocturno Silencio, donde una mujer canta una hermosa melodía en la tarima, hace llorar intensamente a las protagonistas que la presencian, la cantante inesperadamente se desmaya pero la melodía continúa, y las protagonistas se ven engañadas y sorprendidas por el quebrantamiento de la ilusión, y a su vez, las alas que el sonido nos da para alcanzar ciertas bellezas.
 

Lecturas Recomendadas: 

-“Film Theory: an introduction through the senses”, de Thomas Elsaesser y Malte Hagener
-“Las Mecánicas del Pájaro: ver y audiover el cine de Alfred Hitchcock”, de Alfredo Nieves Moreno

El autor es profesor de cine y periodista.

Publicado en Cinefilia
Miércoles 02 de mayo de 2012 08:00

The Avengers: épica alianza de súper héroes

Luego de tanta espera, estrena The Avengers, la colosal apuesta de Marvel en la que se han invertido años y millones de dólares. Desde 2008, con el estreno de The Incredible Hulk y Iron Man, se empezó a anunciar a la audiencia que se estaba preparando algo muy grande, la creación de un equipo conformado por súper héroes y que éste, sería llevado a la gran pantalla.

Ahora bien, cuatro años después, luego de haber tenido pistas sobre el film en las películas The Incredible Hulk, Captain America: The First Avenger, Thor y las dos entregas de Iron Man, con una expectativa gigantesca por parte de fanáticos y cinéfilos, Marvel responde.

Pero, ¿habrá valido la pena tanta espera? Mi respuesta es que sí. Totalmente. El film sobre el equipo conformado por Thor, Hulk, Hawkeye, Black Widow, Iron Man y el Capitán América, liderados por Nick Fury, es asombroso.

Armando el equipo

Desde un punto de vista técnico, el film no sólo es impecable, sino que es sorprendente. La dirección de Joss Whedon no pudo ser más certera. Se nota a leguas que su visión es la de una persona que conoce a perfección el mundo del cómic y la dinámica de sus personajes. Asimismo, en su guión, supo como mantener a los fanáticos contentos, dándoles momentos memorables, mientras complace a los cinéfilos con una grandiosa película de acción, llena de efectos especiales sorprendentes y de contenido.

Visualmente el film es magnífico y no creo que esto sea sorpresa para nadie. Ya en las cinco películas anteriores Marvel había demostrado que esto no sería problema alguno. No sorprende, además, que hayan sido excelentes las actuaciones de Chris Evans como Steve Rogers (Capitán América), Robert Downey Jr. como Tony Stark (Iron Man), Chris Hemsworth como Thor, Scarlet Johansson como Natasha Romanoff (Black Widow), Samuel L. Jackson como Nick Fury y el genial Tom Hiddleston como Loki.

Afortunadamente se unen al grupo de buenas interpretaciones Jeremy Renner como Clint Barton (Hawkeye), una elección de casting sumamente acertada; y Mark Ruffalo como Bruce Banner (Hulk), quien, a pesar de no haber sido personificado por Edward Norton, cosa que tenía a varios fanáticos decepcionados, personalmente encuentro que Ruffalo posee una brutalidad interna que Norton no le dio a su versión.

Los verdaderos retos

Joss Whedon tenía varios retos que superar al hacer este film. Primero, eliminar el estigma que casi parecía una ley, que aseguraba que la calidad de un film de súper héroes era inversamente proporcional al número de personajes icónicos que poseyera. Ya lo habíamos visto en X-Men: the last stand y en Spiderman 3, cuando la inclusión de demasiados superhéroes y villanos, resultaba desastroso al no saber que hacer con ellos, o darle realmente peso a uno o a dos, dejando al resto como secundarios.

Pero Whedon supo darle el balance necesario a la ecuación y darle la importancia que cada uno de los Vengadores merece. Cada uno de ellos tiene momentos para brillar y todos parecen protagonistas.

El segundo reto era repetir la magia de Loki. En Thor, el villano interpretado por Tom Hiddleston encantó a la audiencia con su magistral actuación y su carisma. En The Avengers, el ruin dios asgardiano vuelve a aparecer como el malvado de la película. Ahora bien, la pregunta que muchos nos hacíamos era si esto podría volver a funcionar y afortunadamente para Whedon (y para nosotros), Tom Hiddleston vuelve a brillar en pantalla.

El tercer reto era quizás el más difícil. ¿Qué podría ofrecer The Avengers que no se le fuera dado ya a la audiencia en las cinco películas anteriores? ¿Es acaso real la hipótesis de que la sumatoria de estos grandes héroes, resultaría en un film más impresionante que sus películas individuales?

La respuesta es que, luego de haber visto The Avengers, los filmes individuales de sus personajes, por excelentes que sean, no parecen ya más que meros preámbulos para esta épica entrega. Los cinco filmes anteriores no son más que entremeses para el plato principal.

The Avengers tiene todo lo bueno que tuvieron sus predecesoras, sin los defectos que éstas pudieran haber tenido y con el añadido de una historia que ha ido desarrollándose silenciosamente en las cinco películas anteriores y que, en ésta, llega a su clímax, para encontrar un épico desenlace.

Entre líneas

El discurso detrás de los grandiosos efectos especiales y las asombrosas hazañas de estos súper héroes, se remite a la amenaza ocasionada por el uso de armas de destrucción masiva. Reiteradas veces durante el film, se habla del peligro del uso de armas tan poderosas, cuya fuerza no podemos controlar.

Así pues, hay una escena en la que Tony Stark y Bruce Banner (los genios científicos del equipo) le recriminan a Nick Fury la idea de utilizar el cubo de energía (aquel en el que se centraba la historia de Captain America) para la creación de armamento militar. Hay otra escena en la que Loki le cuestiona que tan desesperado tiene que estar Fury para buscar la ayuda de un monstruo fuera de control como Hulk. Incluso hay una escena en la que el Gobierno de los Estados Unidos contempla la opción de lanzar un ataque nuclear sobre Manhattan, ante la invasión extraterrestre.

Pero, además de este discurso en contra de las armas de destrucción masiva, hay también una contraparte. La aceptación de que es necesaria la defensa del mundo occidental como lo conocemos. Nick Fury acepta en cierto momento del film que es prioridad defender el mundo y que, de no poder salvarlo, entonces lo vengarán (cabe señalar que lo que está bajo ataque es Nueva York, por lo que “el mundo” es representado por la meca del mundo occidental). Esta frase, sumamente pro-militarista no solo aboga por la existencia de medios de defensa, sino la justificación de la guerra, como respuesta a ataques y atentados.

Para los fanáticos

The Avengers está repleta de momentos hechos específicamente para los fans. Por citar un ejemplo, hay una escena en la que Iron Man dispara con sus rayos láser al escudo del Capitán América, el cual los refleja para darle a los enemigos. Un movimiento muy presente en los videojuegos más recientes de Marvel.

Asimismo, tiene ciertos guiños y chistes internos que emocionarán sin duda a los más conocedores del universo Marvel, pero que pasarán desapercibidos por aquellos que no estén familiarizados con el mismo. De hecho, luego de los créditos, hay una escena final, en la que se presenta el villano de la próxima película de The Avengers. No se le nombra ni se explica su importancia. No es, además, un villano popular como podría serlo un personaje de la talla de un Joker o Catwoman, por decirlo así (haciendo la salvedad de que estos son villanos de Batman, que no es un súper héroe de Marvel, sino de DC Cómics, pero los nombro por ser figuras muy populares y altamente reconocibles, sin que sea necesario un profundo conocimiento del tema).

Quienes no tengan suficiente información y conocimiento del universo Marvel, simplemente entenderán que existe un villano más poderoso, representando una amenaza para la Tierra, por lo que los Avengers tendrán que volver a pelear. Pero, quienes reconozcan la figura que sale al final, se emocionarán al entender por completo las implicaciones que su aparición sugiere.

En todo caso, The Avengers es un film espectacular, tanto para fanáticos del cómic, como para aquellos que disfrutan del cine de acción, ciencia ficción, fantasía y súper héroes. Sin duda alguna, es una película que abre magníficamente la temporada de estrenos taquilleros de Hollywood.
 

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