03 sep, 2014

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Miércoles 18 de junio de 2014 05:00

10 películas para ver en Hulu este verano

Hulu, al igual que Netflix, provee un servicio de transmisión por Internet de películas y series de televisión. No obstante, éste tiene la opción de ver su ofrecimiento de forma gratuita si el usuario no desea subscribirse a Hulu Plus.

Diálogo recomienda una serie de películas, algunas de la colección de Criterion disponibles durante los próximos días, que pueden verse gratis por el servicio y abonar al entretenimiento veraniego.

1.      4 Months, 3 Weeks and 2 Days

Galardonada con la Palma de Oro del Festival de Cannes en el 2007, el filme se desarrolla durante los últimos días del comunismo en Rumania mientras dos universitarias, Otilia y Gabita, planean hacer los arreglos de obtener una aborto ilegal para el feto que carga Gabita.

2.      Skin

Esta película biográfica cuenta las vivencias de Sandra Laing, una mujer sudafricana nacida de padres blancos, pero cuya tez oscura debido a un atavismo biológico la llevó a ser clasificada como “de color” durante el Apartheid, periodo de segregación racial en Sudáfrica. La película muestra como Sandra tuvo que enfrentar el discrimen tanto de parte del Estado como de su propio padre, desde su niñez hasta la adultez.

3.      Louis C.K.: Chewed Up

En el especial del comediante Louis C.K., conocido también por su serie de la cadena FX Louie, los chistes giran en torno a él burlándose de sí mismo respecto a su rol como padre, su análisis de supuestas frases ofensivas y su amor indomable por los Cinnabons.

4.      Akira

Destacada dentro de la animación japonesa debido a sus técnicas innovadoras para la época, Akira se desarrolla en el año 2019 en una versión distópica y cyberpunk de la ciudad de Tokio. Tetsuo Shima, un adolescente con poderes psíquicos, busca liberar a Akira, un psíquico a quien han mantenido encerrado desde antes de desarrollarse la historia. Esto obliga a Shotaro Kaneda, líder de la ganga de motociclistas a la cual pertenece Tetsuo, a detenerlo antes que traiga destrucción nuevamente.

5.      Imaginary Witness: Hollywood and the Holocaust

El Holocausto, uno de los eventos históricos más horribles, ha sido adaptado en el cine en numerosas ocasiones. Valiéndose de imágenes de noticiarios y clips de sobre 40 películas, este documental examina la actitud de Hollywood hacia este genocidio masivo, así como lo han representado directores y cineastas durante casi 70 años.

Imaginary Witness: Hollywood and the Holocaust from API FILMS on Vimeo.

6.      Cronos

El primer largometraje del director mexicano Guillermo del Toro cuenta la historia de Jesús Gris (Federico Luppi), un comerciante de antigüedades que adquiere un artefacto de oro en forma de escarabajo y pronto se encuentra en posesión de su poder adictivo y siniestro. Por consecuente, Jesús se convierte en el objetivo de un misterioso americano llamado Angel (Ron Perlman).

7.      Solaris

Parte del canon del director ruso Andrei Tarkovsky, este filme de ciencia ficción experimental ocurre en una estación espacial orbitando el planeta ficticio de Solaris, cuya misión específica se ha detenido debido a que los tres hombres que componen su tripulación han caído en crisis emocionales de diferente magnitud. Cuando el psicólogo Kris Kelvin viaja a la estación a investigar lo que ha ocurrido, cae víctima del mismo fenómeno ocasionado por Solaris.

 

8.      Jar City

Basada en la novela Mýrin del islandés Arnaldur Indriðason, este thriller criminal se enfoca en un veterano policía que debe acechar a un asesino en serie utilizando pistas de un crimen de violación cometido hace 30 años.

9.      Breathless

El director francés Jean-Luc Godard dirigió esta pieza cinematográfica, que luego se convirtió en una de las películas que estableció el estilo de la Nueva ola francesa. La trama se desarrolla en torno a Michel Poiccard (Jean-Paul Belmondo), un criminal de poca monta quien mata a un policía y decide refugiarse con su novia Patricia Franchini (Jean Seberg), una estadounidense que vende el International Herald Tribune en los bulevares de París.

10.    It’s a Girl

Con el lema “las tres palabras más letales", este documental cuenta que en países como China e India, millones de infantes son asesinadas, abandonadas o abortadas simplemente por nacer niñas. Esta desvalorización sociocultural de la mujer ha llevado a violencia hacia este grupo y al crecimiento del “génerocidio”.

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Viernes 13 de junio de 2014 05:00

10 películas para ver en Netflix este verano

Muchos usuarios de Netflix se quejan de que pasan más tiempo buscando películas para ver que realmente viéndolas. Con su amplia oferta de películas de todo género y de variada popularidad, es fácil perderse en la selección tan abarcadora que ofrece el servicio.

En esta ocasión, Diálogo se dio a la tarea de buscar películas de diferentes géneros y niveles de popularidad, pero todas con algún aspecto que las destaca entre las demás. Aquí nuestras recomendaciones para su próxima noche de cine en su casa.

1.      Jackie Brown

Quizás uno de los trabajos menos conocidos del director Quentin Tarantino, la película se enfoca en el personaje homónimo de Jackie Brown (Pam Grier), una azafata luchando para mantenerse económicamente estable, que delinea un plan para mover medio millón de dólares ilegalmente y quedarse con la mayor ganancia, evitando a las autoridades y al maleante Ordell Robbie (Samuel L. Jackson), a quien le pertenece el dinero.

2.      Medianeras (Sidewalls)

Una historia de amor que a su vez entrelaza una crítica social a la alienación que irónicamente ocasionan las nuevas tecnologías. Esta película argentina explora las vidas de Martín y Mariana, dos personas cuyas personalidades revelan a la audiencia que poseen química amorosa. Sin embargo, las paredes que dividen sus apartamentos son el mayor obstáculo para que puedan conocerse.

3.      Treasure Planet

Adorada por los críticos pero ignorada en los recaudos de taquilla, esta película de Disney es una adaptación de la novela Treasure Island de Robert Louis Stevenson, pero con un giro de ciencia ficción. Jim Hawkins (Joseph Gordon-Levitt) es un adolescente rebelde que toma posesión de un mapa holográfico del homónimo planeta, lo cual lo lleva a una aventura que relega la búsqueda del tesoro y pasa a ser un rito de paso hacia la madurez.

4.      Taxi Driver

La segunda de ocho colaboraciones entre el director Martin Scorsese y el actor Robert De Niro, la historia se concentra en Travis Bickle (De Niro), un taxista cuyas actividades diarias incluyen conducir su vehículo de trabajo en las noches a causa del insomnio, ver películas pornográficas y abastecerse de un sinnúmero de armas. Su vida da un giro cuando conoce a Iris (Jodie Foster), una prostituta de 12 años hacia quien desarrolla una especie de infatuación y lleva a cabo acciones cuestionables para llevarla a abandonar esa vida.

5.      Whores’ Glory

El documental dirigido por el recientemente fallecido austriaco Michael Glawogger, hace un acercamiento sin prejuicio a las vidas de prostitutas en tres países: Tailandia, Bangladesh y México. Más allá de mostrar cómo opera la industria de prostitución, se presenta el aspecto cultural de cada país y las razones que han llevado a las trabajadoras a prostituirse para su sustento económico.

6.      Capote

Phillip Seymour Hoffman, quien falleció unos meses atrás, recibió el Oscar de Mejor Actor por su interpretación del escritor Truman Capote. La película se desarrolla durante el periodo que Capote escribió su libro In Cold Blood (A sangre fría), un recuento no ficticio sobre la masacre de una familia del pequeño pueblo de Holcomb, Kansas, además de mostrar los problemas personales del autor.

7.      The Kids Are All Right

A pesar de que el conflicto central puede parecer un poco reciclado, este drama familiar muestra que las familias homosexuales enfrentan las mismas situaciones que sus contrapartes heterosexuales. Nic (Annette Bening) y Jules (Julianne Moore) son una pareja con dos hijos, Joni (Mia Wasikowska) y Laser (Josh Hutcherson), quienes establecen comunicación con su padre y donante de esperma, Paul (Mark Ruffalo) luego de 18 años sin contacto. Lo que se desarrolla después son una serie de eventos que ponen a prueba la unión familiar.

8.      Memento

Aunque Christopher Nolan se ha convertido en un director célebre, su segunda película fue otro fenómeno independiente luego de su debut, Following. La historia, invertida cronológicamente, sigue a Leonard Shelby (Guy Pearce), un hombre en búsqueda del asesino de su esposa que tiene que usar fotografías Polaroid y tatuajes para marcar las pistas de su investigación, ya que sufre de un tipo de amnesia que no le permite crear nuevas memorias.

9.      The Silence of the Lambs

Considerado un clásico dentro del género del thriller, la película adapta la novela del mismo nombre de Thomas Harris. Clarice Starling (Jodie Foster) es una joven aprendiz del FBI encargada de seguirle la pista al asesino en serie conocido como Buffalo Bill (Ted Levine). Para ello, busca consejo del psiquiatra Hannibal Lecter (Anthony Hopkins), otro asesino en serie que fue encarcelado por sus crímenes, notorios por éste consumir la carne de sus víctimas. Hopkins se destaca en su magistral actuación por su macabra interpretación del personaje.

10.  As Good As It Gets

Una de esas comedias que logra acertar en todos los renglones, la trama se concentra en las relaciones interpersonales del obsesivo-compulsivo y misántropo autor Melvin Udall (Jack Nicholson) con su vecino homosexual Simon (Greg Kinnear) y Carol (Helen Hunt), una madre soltera, eventos que lentamente lo llevan a despojarse de sus tendencias cascarrabias.

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La película The Signal, del director estadounidense William Eubank, es el más reciente esfuerzo dentro del nicho de la ciencia ficción en el cine comercial, uno que como propuesta prometió pero que en su ejecución falló.

El filme cuenta la historia de unos estudiantes “hackers” del Massachusetts Institute of Technology (MIT) que gestionan encontrarse con un elusivo rival virtual llamado Nomad.

Nick (Brendon Thwaites) y Jonah (Beau Knapp) son expulsados de MIT al ser acusados de ingresar de manera ilegal al sistema de computadoras la universidad, algo que hizo su rival virtual, Nomad, a quien nunca han conocido personalmente. Nick, quien es impedido y camina con muletillas luego de un accidente, viaja con Jonah y su novia Hailey (Olivia Cooke) para reunirse con Nomad en una locación que este escoge.

Luego de llegar a la dirección, una casa abandonada, ocurren una serie de eventos inusuales que culminan con Nick despertando sin memoria de lo ocurrido, en aislamiento y en silla de ruedas. Durante esto, es observado por unos científicos (el principal de ellos interpretado por Laurence Fishburne) que solo le dicen que pudo haberse infectado con una especie extraterrestre.

El filme comienza prometedor, contando una historia íntima y de actualidad con unos “hackers” cuyas computadoras han sido infiltradas mientras son investigados por alguna misteriosa figura virtual. La fotografía está muy bien lograda (Eubank también ha trabajado como cinematógrafo), con tomas impresionantes de paisajes naturales contrapuesto al tema de ciencia ficción.

En un punto específico de la trama, el filme parece convertirse en uno de pietaje encontrado (found footage), dado a que la secuencia está filmada en visión nocturna. A pesar que la película hace una referencia a esto y se burla de este género en una divertida escena, la segunda mitad se convierte en otro filme rutinario de ciencia ficción con numerosos clichés, como el personaje atrapado en contra de su voluntad bajo circunstancias desconocidas, científicos moralmente comprometidos trabajando para alguna agencia del gobierno y giros predecibles acerca de las teorías de conspiración.

Es una pena que toda la promesa del comienzo del filme desaparece, particularmente porque el talento del elenco joven, al igual que el de Fishburne (mejor conocido por interpretar a Morpheus en The Matrix), es gastado en esta película torpe y olvidable. Eubank, quien comenzó su carrera como director de fotografía, tiene buen dominio visual; quizás en el futuro logre hacer un filme con un guion al nivel de su talento. 

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Lunes 16 de septiembre de 2013 15:02

Triunfa 12 Years a Slave en Toronto

El más reciente proyecto del director Británico, Steve McQueen, recibió el domingo pasado el “People’s Choice Award”, el mayor galardón que se otorga en el Festival Internacional de Cine de Toronto, celebrado del 5 al 15 de septiembre en Toronto, Ontario, Canada.

 

12 Years a Slave cuenta la historia verídica de Solomon Northup, un hombre negro y libre viviendo en New York antes de la Guerra Civil, cuya vida toma un giro inesperado cuando es secuestrado y vendido como esclavo. La película explora los 12 años de esclavitud de Northup, donde conoce a la maldad personificada en Edwin Epps, un malévolo propietario de esclavos encarnado por el actor Michael Fassbender.

 

No es la primera vez que una cinta de McQueen se presenta en el festival. Su drama histórico Hunger compitió en la edición del 2008 del festival, donde el director recibió el “Discovery Award” y un premio de $10,000 dólares. Su segundo largometraje, Shame, también fue proyectado en el Festival. Esta última no logró llevarse algún reconocimiento a pesar de haber sido muy bien recibida por los críticos.

 

Películas como Slumdog Millionaire, The King’s Speech y American Beauty se han alzado con  dicho premio y han prevalecido también durante la ceremonia de los premios Oscar. Otros títulos como Silver Linings Playbook el año pasado y Precious en el 2009 han recibido, al menos, la  nominación al Oscar tras haberse llevado a casa el “People’s Choice Award”.

 

Por otra parte, el filme británico Philomena y el thriller Prisoners fueron nombrados “casi ganadores” en la edición número 38 del prestigioso festival, dejando fuera filmes como Gravity del mexicano Alfonso Cuarón y las también anticipadas August: Osage County, Dallas Buyers Club, Labor Day y Can a Song Save Your Life?, títulos que recibieron nada menos que halagos tras sus respectivos estrenos en el festival.

 

La cinta de horror japonesa Don’t You Play in Hell de Shion Sono se llevó el otro premio de la audiencia, otorgado a un filme presentado durante el programa de “Midnight Madness”, donde se proyectan las películas más raras o excéntricas del festival. Películas como Cabin Fever en el 2002, Borat en el 2006 y la reciente You’re Next se presentaron por primera vez en el Midnight Madness y más tarde se convirtieron en películas de culto.


El documental egipcio The Square ganó el premio de Mejor Documental, mientras que When Jews Were Funny fue escogida como la Mejor Película Canadiense.

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Viernes 11 de enero de 2013 10:06

Agridulce las nominaciones a los Óscar

Llegó el nuevo año y con él también arribaron las nominaciones y premiaciones de películas hechas en los pasados doce meses.

Los Golden Globes dijeron sus contendientes justo antes de finalizar el 2012, así como el Screen Actors Guild (SAG). Esta semana se entregaron los People Choice Awards y la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos también anunciaron sus nominados a sus famosos premios, mejor conocidos como los premios Óscar.

Durante esta temporada de premiaciones, las diversas nominaciones se convierten en el tema principal entre críticos, cinéfilos y aficionados del séptimo arte. Ante la selección oficial de merecedores de galardones, siempre aparecen dolientes que se quejan de que sus películas favoritas no hayan sido incluidas entre las laureadas, así como los que protestan por la presencia de filmes que no consideran meritorios.

Personalmente, soy de los que piensa que en el fondo una estatuilla dorada o un premio, no confirma que una película sea buena, así como el haber sido ignorada en las nominaciones no significa que sea mala.

Ya en años anteriores, filmes considerados hoy en día como clásicos, fueron dejados sin premiación alguna. Como señalé el pasado año, Akira Kurosawa, Stanley Kubrick, Alfred Hitchcock e Ingmar Bergman, considerados como cuatro de los cineastas más icónicos de todos los tiempos, jamás recibieron un premio de la Academia.

Y los nominados son:

Este año la Academia volvió a gastar la pesada broma de nominar sólo 9 películas al máximo galardón, dejando vacío el décimo puesto. De algún modo, con esta acción dejan entrever a todos aquellos que se quedaron con las ganas de ver su favorita en la lista “podríamos haber incluido aquella que te gusta, pero no lo hicimos”.

Entre las nueve nominadas, destaco las sobrevaloradas y sobre estimadas Lincoln y Les Miserables, la magnífica Zero Dark Thirty, la fantástica y emotiva Beasts of the Southern Wild (ganadora de mejor fotografía en el Festival de Cannes), la excelente Django Unchained del genial Quentin Tarantino; y la cinta extranjera Amour, del laureado cineasta alemán Michael Haneke.

Tengo que decir que aún no he visto The Silver Linings Playbook de David O. Russel (quien dirigió la gran película The Fighter en 2010) y The Life of Pi del gran Ang Lee (Brokeback Mountain, Crouching Tiger, Hidden Dragon), pero ambas se me hacen bastante interesantes. También está nominada la película Argo, dirigida por Ben Affleck, la cual encuentro muy bien hecha, pero personalmente, un poco sobrevalorada también.

En pocas palabras, la lista de las nueve nominadas a Mejor Película, no es tan terrible y desacertada como la del año pasado, por dar un ejemplo. No obstante, difiero de la decisión de incluir a Lincoln y a Les Miserables, la primera porque me parece que no es más que un ejercicio de retórica sumamente monótono, muy bien actuado; la segunda porque, a pesar de que musicalmente es preciosa y también cuenta con grandes actuaciones, como filme es bastante mediocre. Aun así, creo que van a ser las dos grandes ganadoras de la noche.

Entre los actores y las actrices hay buenas nominaciones también. Christoph Waltz por Django Unchained, Phillip Seymour Hoffman y Joaquín Phoenix, ambos por The Master, Tommy Lee Jones por su papel en Lincoln (el cual increíblemente me pareció incluso más interesante que el de Daniel Day Lewis, quien también está nominado y seguramente se llevará la estatuilla para su casa).

Anne Hathaway y Hugh Jackman, ambos por sus emotivos papeles en Les Miserables, la talentosísima Jessica Chastain por su gran trabajo en Zero Dark Thirty y la mujer con más edad jamás nominada, Emmanuelle Riva (de 85 años) por su papel en Amour, junto a la más joven antes nominada, Quvenzhané Wallis (de 9 años), actriz de Beasts of the Southern Wild.

Entre los filmes extranjeros, la favorita Amour de Haneke, compite contra la chilena No (filme sobre el plebiscito con el que se terminó la dictadura de Augusto Pinochet en el país sudamericano), la danesa A Royal Affair, la noruega Kon-Tiki y la canadiense War Witch, también conocida como Rebelle.

Algunas de las nominaciones que me agradaron bastante fueron: la canción de la cantante británica Adele para el film Skyfall, como Mejor Canción Original y asimismo, la impresionante cinematografía en la más reciente entrega del agente 007. Les Miserables nominada a Mejor Mezcla de Sonido (tomando en cuenta que las canciones se grabaron directamente en el set de filmación), Paranorman para Mejor Película Animada y Moonrise Kingdom como Mejor Guión Original.

Continúa la lista…

Entre las grandes ignoradas de este año, considero que podríamos nombrar el film Killer Joe (que aunque oficialmente fue hecha en 2011, se estrenó en 2012), el cual pudo haber sido nominado para mejor película, mejor director e incluso merecía un reconocimiento para Mathew McConaughey (en posiblemente el mejor papel que ha interpretado en su vida).

En el renglón de cinematografía, el film Cirque du Soleil: Worlds Away 3D pudo haber sido incluida, debido a lo impresionante de sus tomas y la iluminación. Cabin in the Woods pudo haber sido quizás reconocida como mejor guión original, Mientras que, Moonrise Kingdom pudo quizás recibir más nominaciones además de la de guión. Asimismo, la actuación de Ezra Miller en The Perks of being a Wallflower, igualmente fue digna de reconocimiento. Otra actuación pasada por alto, fue la de John Hawkes en The Sessions.

En la misma línea de pensamiento, para muchos, ha sido un verdadero crimen que Javier Bardem no haya sido nominado por la interpretación de Silva, el villano de Skyfall.

El ignorado décimo puesto en Mejor Película también ha sido un tema de discusión, ya que pudo haber sido aprovechado para Skyfall e incluso, para muchos, reservado para The Dark Knight Rises o The Avengers (aunque ya sabemos que este tipo de películas jamás ha sido nominado en este renglón).

Ahora bien, lo que efectivamente es uno de los mayores focos de polémica ha sido el premio al Director. En primer lugar, el chiste de nominar nueve filmes a mejor película, pero sólo a cinco de sus directores, es como el padre que en navidad sólo le regala a cinco de sus nueve hijos. No es de esperar que los que no recibieron obsequio sientan una cierta predilección por los agasajados.

En la categoría de Mejor Director encontramos a David O. Russell (Silver Linings Playbook), Ang Lee, Steven Spielberg (Lincoln), Michael Haneke y Benh Zeitlin (Beasts of the Southern Wild). Esto ha dejado fuera de la competencia a Kathryn Bigelow (quien luego del Oscar que le mereció dirigir The Hurt Locker, ha hecho un trabajo maravilloso en Dark Zero Thirty), Ben Affleck (quien según muchos merece una nominación por Argo, cosa que personalmente no comparto del todo) y Quentin Tarantino (por Django Unchained).

En todo caso, como ya he dicho, en el fondo, no es el premio lo que decide cual película es buena y cual es recordada con el pasar del tiempo. Ya veremos quienes resultan ganadores y quienes se irán con las manos vacías a casa.

El autor es crítico de cine. 

 

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Jueves 01 de noviembre de 2012 05:00

Cloud Atlas: Profunda, maravillosa e increíble 

Normalmente empiezo mis reseñas cinematográficas dando rodeos, sin ir directamente al grano. Esta vez no lo voy a hacer. Cloud Atlas es sencillamente maravillosa.

Sí, decidí comenzar diciendo esto por dos razones. Primero, porque no puedo disimular lo mucho que me ha gustado y lo grandiosa que me parece. En segundo lugar, porque es una película con tanta tela para cortar, que perder tiempo y espacio en ponerse elocuente, sería alargar más este texto sin necesidad. Este film da suficiente material como para escribir una tesis.



Comencemos por lo más fácil. ¿Qué es Cloud Atlas? El trailer no da demasiadas pistas para responder esta pregunta (personalmente pienso que más es lo que confunde que lo que aclara, vendiendo quizás algo que no es).

Este film nos narra seis historias paralelas en distintas épocas. Son tan distantes y diferentes como un viaje en barco por el pacífico, desde Nueva Zelanda a Estados Unidos por 1850, o una guerra de clanes tribales en un distante futuro post apocalíptico. Las seis historias tienen en común temas como el amor, la avaricia, la opresión, la esclavitud y la libertad. También tienen en común que están protagonizadas por los mismos actores, haciendo personajes completamente diferentes y de etnias distintas.


Lo más interesante es que cada historia está conectada con la anterior de manera física. Es decir, uno de los personajes de una, está de algún modo leyendo (o viendo) el cuento de la que cronológicamente vino antes de la suya. Asimismo, todas están entrelazadas a un nivel más metafísico y espiritual.



Basada en la novela homónima de David Mitchell y producida, escrita y dirigida en conjunto por los hermanos Andy y Lana Wachowski (los creadores de Matrix) y Tom Tykwer (director y escritor de Run Lola Run y la adaptación de El Perfume), Cloud Atlas resulta una película sumamente profunda, compleja y bastante ambiciosa.

Técnicamente es asombrosa. La dirección es muy acertada y la fotografía es hermosa. Igualmente, los efectos especiales y el maquillaje (con el que se le cambió la apariencia a cada actor en cada época) funcionan a la perfección. La edición va acorde con la historia y la trama y la musicalización del film es impresionante. Los tres compositores estipularon un estilo para cada una de las historias, sin que se pierda la coherencia en la banda sonora.

Las actuaciones son igualmente dignas de halagos.

El elenco cuenta con Tom Hanks, Halle Berry, Jim Broadbent, Jim Sturgess, Doona Bae, Ben Wishaw, Hugh Grant, Susan Sarandon, James D'Arcy, Keith David, Xun Zhou, David Gyasi y el magnífico Hugo Weaving quien interpreta a los villanos, o metafóricamente hablando, a la maldad. Cada uno de ellos tiene seis personajes completamente diferentes en etnia, personalidad y en algunos casos, género. Incluso, los personajes secundarios de cada época, son muchas veces interpretados por los mismos actores.

Este film puede ser analizado desde tantos puntos de vista que, como dije en el primer párrafo, da suficiente material para una tesis (de hecho, creo que para varias tesis).

Sus discursos pueden ser vistos desde la temática de género, historia, sociología, psicología, lucha de clases, racismo, bio-ética, religión y metafísica.

A vuelo de pájaro, tomando en cuenta el hecho de que los personajes de cada historia están interpretados por los mismos actores, podemos discernir una noción de reencarnación y ciclos karmáticos. Muy parecido al estilo de películas como The Fountain (Darren Aronofsky) o The Tree of Life (Terrence Malick), Cloud Atlas pareciera proponer que todos los seres humanos estamos relacionados, sin importar el espacio y el tiempo en el que nos encontremos.

Asimismo, podemos ver como cada alma (representada por cada actor) va evolucionando y aprendiendo, o quedándose estancada y cometiendo los mismos errores a lo largo de cada vida (cada una de las seis historias).



Desde otro punto de vista, si no tomamos en cuenta el aspecto de la reencarnación, podemos tomar cada ciclo, no como una nueva vida para cada alma, sino una era distinta de la historia humana, en la que repetimos los mismos errores y vicios, al mismo tiempo que somos impulsados por las mismas metas, sueños y pasiones. En cada era existe una forma de poder, mediante la cual un grupo étnico o social, logra mantener oprimido a otro. Esclavitud, racismo, discriminación sexual, genética, fuerza militar o superioridad en combate.

De igual manera, los deseos de libertad, de encontrar el amor y la verdad, el deseo de superación y de trascendencia, hace que los individuos oprimidos se alcen contra aquello que los intenta subyugar.

Es muchísimo lo que se puede analizar, conversar, concluir y especular sobre Cloud Atlas.

Lamentablemente, sólo la he visto una sola vez y esto no es suficiente para aprehender todos los detalles y elementos presentes en una película tan densa y compleja como ésta. Este es un film es para ser visto por lo menos dos veces, con calma, tratando de armar mentalmente la línea temporal de cada una de las seis historias, para entonces trazar rayas que pasen por los puntos en los que se conectan paralelamente dichas cronologías y entonces, una vez con el mapa en mano, sentarnos a sacar conclusiones.

En todo caso, y sin duda, a pesar de que algunos críticos la estén destajando, opino que este film es maravilloso y digno de ver, por lo menos, un par de veces.

El autor es periodista y crítico de cine. Para ver más críticas visita La Pantalla Grande 
 

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Lunes 29 de octubre de 2012 09:35

Frankenweenie: ¿el regreso de Tim Burton?  

De un tiempo para acá, Tim Burton me ha tenido profunda y realmente decepcionado. Por casi diez años, la mente genial tras Beetlejuice y Edward Scissorhands venía deteriorando su carrera en una caída libre monótona y carente de emociones ni innovaciones de ningún tipo. Pero tras el estreno de Frankenweenie, existe la remota posibilidad de que Burton nos vuelva a sorprender con una buena película en un futuro cercano.

Frankenweenie es una reeinvención de la historia de Frankenstein de Mary Shelley, hecha en animación en “stop motion” y basada, además de levemente en el libro de Shelley, en dos cortometrajes animados que Burton hizo en 1982 y 1984, llamados Vincent Frankenweenie igualmente. Narra la historia de este pequeño niño genio llamado Victor Frankenstein, quien decide revivir, a través de la ciencia, a su adorado perro muerto. Esto por supuesto desencadena una serie de situaciones muy divertidas y alocadas en el pueblo donde vive.

La animación del film es sencillamente magnífica. Los detalles de la dirección de arte, así como la iluminación y la fotografía hacen que visualmente, Frankenweenie sea sorprendente. De igual modo, la historia, aunque es verdaderamente simple, se mantiene fresca, divertida y original. No tiene mayores pretensiones que ser una entretenida historia para niños, repleta de guiños a la literatura gótica y el cine de horror de la pantalla de plata.

Las actuaciones del elenco, quien le da vida a los personajes con su voz, también son geniales. La película es brillante en cuanto a la realización. Por si fuese poco, a pesar de que mantiene un estilo de film en blanco y negro de horror de la década de los 1950, la película recupera el ambiente, el humor y los personajes de Burton de los 1980. A veces se asemeja a Beetlejuice y otras, a Edward Scissorhands. De hecho, vuelven a estar bajo la dirección de Burton, Winona Ryder y Catherine O'Hara (ambas trabajaron en Beetlejuice) entre el elenco. El resto de los actores, quienes también hacen un trabajo excepcional, son rostros nuevos o relativamente ajenos en la cinematografía de Burton, como el divertido Martin Short, quien solamente había trabajado en Mars Attack, o Martin Landau quien participó en Ed Wood.

El tema principal de la historia gira en torno a la muerte y a aceptarla. El entender que nada es eterno y que morir, es parte normal de la vida. El pequeño Victor se niega a dejar ir a su querido amigo canino, por lo que usa la ciencia para mantenerlo con vida a como de lugar. Una crítica directa a la búsqueda de prolongar nuestras vidas humanas por medio de la tecnología y los avances científicos. Ahora bien, opino que hay un pequeño detalle al final de la película (que no puedo revelar), que estropea este mensaje por completo.

Sin embargo, entre líneas y a una capa un poco más profunda que la de este primer mensaje sobre la muerte, Burton logró reinventar la historia de Frankenstein, a tal punto que recompone el mensaje de Shelley en su obra original, añadiendo una cláusula. En Frankenstein o el Prometeo Moderno (el libro original), Mary Shelley nos habla de los horrores que pueden ser alcanzados por la ciencia, sobre todo si los científicos no se hacen responsables de sus creaciones. En Frankenweenie, Tim Burton añade que la ciencia no es mala per se, sino que puede ser buena o mala, según su uso. Así como la tecnología y los avances científicos pueden acabar con nosotros, también son capaces de salvarnos.

Ahora bien, ¿por qué creo que este film podría significar una señal de que Tim Burton puede volver a hacer buen cine? La respuesta es simple. Desde 1989, luego del estreno de su grandiosa película Beetlejuice, Burton se ha dedicado a hacer toda clase de adaptaciones a materiales ya existentes. Primero fue Batman y Batman Returns (entre ambas hizo la legendaria Edward Scissorhands, que no fue ninguna adaptación). Estas dos adaptaciones fueron filmes muy interesantes y bien hechos (aun cuando comparadas con las Batman de Christopher Nolan, parezcan un poco infantiles y tontas).

Luego adaptó la biografía de Ed Wood, logrando una película genial. Mars Attack es una película bastante extraña, pero no deja de ser original e ingeniosa. Luego, hace su versión de la leyenda del jinete sin cabeza: Sleepy Hollow que, si bien no es terrible, es un poco débil de argumento y narrativa; seguida de la nefasta y espantosa adaptación de Planet of the Apes.

Es luego de este film, en 2003, que estrena Big Fish, aunque también es una adaptación de una novela, es la última película genuinamente interesante, original y creativa de Tim Burton. No solo con Big Fish se había atrevido a experimentar con nuevos elementos, narrativas, personajes e incluso actores, sino que había logrado reinventar su estilo. Tristemente, luego de esto, volvió al estilo monótono y repetitivo que lo caracteriza con Charlie and the Chocolate Factory. Tras esta película, cada uno de sus estrenos iría perdiendo sentimiento para volverse completamente estéticos y vacíos.

Claro, Corpse Bride es una película animada muy hermosa y sentimental, por lo que puedo excluirla del declive artístico de Burton (y tampoco es una adaptación). Aun así, no consiguió el éxito merecido al haber sido constantemente comparada con The Nightmare Before Christmas (que no incluyo en esta lista pues ésta fue solo escrita y producida por Burton, no fue dirigida por él).

La filmografía concluye con su puesta en escena del musical Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (que aunque es un film de culto adorado por los más acérrimos fanáticos del director, resulta un terrible largometraje, con una narrativa totalmente intermitente, aburrida y sobre todo, sin emoción real); Alice in Wonderland (su exagerada y plástica segunda parte de los famosos libros de Lewis Carol) y la esquizofrénica adaptación de la serie de TV Dark Shadows, que ha sido la peor película jamás antes hecha por Burton.

Entonces, repentinamente nos sorprende con Frankenweenie que no solo está bien hecha, sino que es comedida y encantadora. Si bien es una versión de Frankenstein, realmente es una adaptación de los cortometrajes que él mismo hizo a principio de la década de los ochenta. Es casi una idea original y resultó muy buena. Ha demostrado que sigue siendo un director capaz de llevar un concepto a buen desarrollo.

Si Burton decide hacer una película original en su siguiente proyecto, podría ir a verla con muchas expectativas. Se habla de que quiere hacer la segunda parte de Beetlejuice, cosa que, si es una continuación de algo ya existente y es un material hecho por él, podría resultar interesante. Si, por el contrario, vuelve a anunciar otra adaptación más, entonces iré con las mismas expectativas que fui a ver Frankenweenie. De ser así, ojalá me vuelva a sorprender.

El autor es periodistas y crítico de cine. 
 

Publicado en Cinefilia
Viernes 19 de octubre de 2012 05:00

Argo o un retrato a medias de la realidad

Después de Gone Baby Gone (2007), ya no es novedoso decir que Ben Affleck es un buen director. En ese primer trabajo logró contarnos una historia sumamente entretenida y hasta un poco profunda; especialmente cuando consideramos las implicaciones de la última escena.

Admito que mi opinión pueda estar indebidamente influenciada por el momento histórico de su estreno, innegablemente condimentado por un ambiente de mediocridad, casi sin precedentes, del cine comercial estadounidense. No obstante, lo que sí puedo argumentar sin problemas es que el filme demuestra un dominio amplio del lenguaje cinematográfico, que, entre otras cosas, sabiamente mantiene al director, ya para ese tiempo una verdadera superestrella de Hollywood, completamente fuera de la pantalla.

Su rol tras bastidores permite que su hermano, Casey Affleck, asuma el papel protagónico. De hecho, su trabajo aquí y en The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford demuestra que es el mejor actor de los dos.

Ahora, con todo y las loas que puedan surgir de Gone Baby Gone, las subsiguientes películas de Ben Affleck como director, The Town (2010) y Argo (que estrenó ayer en Puerto Rico), me hacen pensar que sobrevaloramos sus capacidades cinemáticas. Si bien son entretenidas, cualidad que nunca es prudente menospreciar, tampoco alcanzan la promesa de su debut. No creo que sea una exageración decir que su desempeño detrás de las cámaras ha ido en decrecimiento; nunca objetivamente mediocre pero tampoco, en ningún aspecto, esencial.

En el caso de Argo, la tónica de cualquier apreciación crítica se torna complicada y es que la calidad, y consecuente eficacia, de los diferentes elementos que componen la experiencia, tanto durante como después de la proyección, varía demasiado.

La trama gira alrededor de unas movidas políticas, dentro y fuera de Irán, que tuvieron gran resonancia mundial. Durante la llamada revolución islámica del 1979, un grupo de manifestantes iraníes tomó control de la embajada estadounidense, evento que resultó en la captura de más de 50 rehenes. Aun así, seis personas lograron escapar, refugiándose a escondidas en la casa del cónsul canadiense. Éstos son los que tienen mayor posibilidad de salir del país, por lo que un agente de la CIA, Tony Méndez (interpretado por el propio Affleck), diseña un plan para sacarlos. La idea es proveerles identificaciones falsas, con las cuales fingirían ser parte de la producción de una película de ciencia ficción a ser filmada en Irán.

Si bien la premisa resulta ser prometedora, la ejecución carece de gravedad. Es muy general sobre el contexto histórico, con un tono muy simplista ante de la situación iraní, que no abunda mucho sobre las razones y objetivos de nadie; ni de los secuestradores, ni de los rehenes, ni de los escapados.

Lo único que se menciona, muy someramente de por cierto, es que Estados Unidos le dio asilo al exiliado Shah, lo que le ganó muchos enemigos. Después de eso, la película no le encuentra espacio a desarrollar a ninguno de los iraníes que aparecen; son solo figuras a ser derrotadas. Algunos pensarán que esto no es problema, que la historia es más sobre los estadounidenses en Irán y no los iraníes en sí.

Sin embargo, aun si aceptamos que el verdadero fin de la película es, única y exclusivamente, ofrecernos un thriller, que nos mantuviera en constante tensión, pues necesitamos comprender los objetivos del enemigo. Pero el guión pasa más trabajo en sumir las complicaciones narrativas, sobre todo durante la resolución, en casualidades inverosímiles. Aun sabiendo que está “basada en hechos reales”, gran parte del filme se siente falso. El buen embuste siempre es bienvenido siempre y cuando se sienta real en el mundo creado por la narrativa. Cuando es una película histórica tiene que ser tratado con mayor cautela, pues, en esta era pos-google el público se verá tentado a conducir su propia investigación; que en mi caso confirmó la gran mayoría de mis sospechas.

Pero, no puedo descartar la película del todo. Más allá de cualquier reserva que puede tener sobre la función del filme, como thriller y como drama histórico, puedo encontrarle cierto valor. Si obviamos el contenido y nos concentramos en la estética, podemos reconocer una visión bastante práctica y comedida. Argo nos recuerda que Affleck sabe como construir una narrativa capaz de mantener al público sentado durante la duración. El problema es que, con la excepción de su debut, no ha puesto esas capacidades al servicio de un guión meritorio. 

Publicado en Cinefilia
Jueves 18 de octubre de 2012 05:00

Sorpresiva Metanarrativa en Seven Psychopaths

Hay ocasiones en las que vemos una película sin saber nada de ella, solo que cuenta con ciertos actores destacados o un nombre interesante.

Así me ocurrió cuando fui a ver el film Seven Psychopaths, sin haber visto el trailer, ni saber de qué trataba. Confié, por demás, en que una película con ese nombre y estelarizada por Colin Farrel, Sam Rockwell, Woody Harrelson, Christopher Walken y Tom Waits no podía ser tan mala. Afortunadamente, no solo tenía razón, sino que el film es absolutamente genial.

Seven Psychopaths narra la historia de Marty (Farrel), quien es un guionista irlandés alcohólico tratando de escribir una película llamada Seven Psychopaths. Es entonces cuando su mejor amigo Billy (Rockwell), decide ayudarlo a conseguir los más originales asesinos y dementes para que tenga inspiración para su historia. Todo esto al tiempo en el que un mafioso psicópata (Harrelson), intenta recuperar a su perro, que fue secuestrado por Billy.

Con esta premisa, es más que obvio que esta enrevesada comedia está llena de situaciones enredadas y llenas de violencia. Aún así, la película está llevada con tanto cuidado que nunca parece en extremo, aún cuando es bastante sangrienta.

Técnicamente hablando, el filme está muy bien realizado. Por ejemplo, la dirección de Martin McDonagh, quien también escribió el guión, es bastante acertada. A pesar de que hay momentos en los que pareciera perderse la trama, al final todo resulta caer perfectamente. Las actuaciones son geniales y los personajes muy divertidos e interesantes. La fotografía cumple su función y la banda sonora es excelente.

Pero lo que en realidad hace a Seven Psychopaths una película brillante y posiblemente la convierta en un film de culto, es la metanarrativa tan postmoderna que posee. Durante toda la trama, van inventando el guión que Marty, el protagonista, está escribiendo y el mismo, coincide con el film de Martin McDonagh (quien comparte el nombre del protagonista y también es un guionista irlandés). En pocas palabras, se comienzan a difuminar las líneas entre realidad y ficción, así como, a la vez, los personajes opinan sobre cómo deberían terminar sus historias.

Es este hecho lo que, a mi opinión, convierte a Seven Psychopaths uno de los filmes más interesantes y originales del año. Un guión tan ingenioso e inteligentes como el de Cabin in the Woods por ejemplo.

Claro, personalmente soy fanático de la postmodernidad en el séptimo arte. Aún así, si usted no es muy afín con este estilo, la historia y la comedia en la película, le parecerán igualmente entretenidas.

El autor es periodista y crítico de cine

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Miércoles 17 de octubre de 2012 05:00

Reconocido Dustin Hoffman como director

El actor estadounidense, Dustin Lee Hoffman, será reconocido por su rol de director en la Décimosexta Gala Anual de los Hollywood Film Awards el próximo 22 de octubre. Hoffman recibirá el "Hollywood Breaktrough Director Award" por su debút como director para el filme 'Quartet'.

"Es un gran honor reconocer a Dustin Hoffman [...]. Su exquisito trabajo y sus destrezas de dirección son notables", expresó Carlos de Abreu, fundador y director ejecutivo de los premios.

'Quartet' se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto 2012 y está basada en la obra de Ronald Harwood.

La pieza fílmica trata sobre la vida de cuatro cantantes de ópera retirados que intentan celebrar un concierto para salvar su hogar. La película cuenta con la participación de Dame Maggie Smith, Sir Tom Courtenay, Pauline Collins, Billy Connolly and Sir Michael Gambon.

"Dustin es un brillante director porque es también un actor brillante, él dirige como un actor", manifestó Connolly sobre su compañero de trabajo. Hoffman tiene más de cinco décadas frente al lente de las cámaras y es uno de los actores más elogiados y reconocidos del mundo. Éste hostenta siete nominaciones y dos premios Oscar, cinco premios Golden Globles, un premio Emmy, entre otros.

Algunas de las películas en su extenso resumé actoral son: "The Graduate" (1967), "All the President's Men" (1976), "Kramer vs. Kramer" (1979), "Meet the Fockers" (2004) y "Last Chance Harvey" (2008).

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